时　间：2024年10月16日　14:00—16:30

地　点：宁波美术馆四楼报告厅

主讲人：周刚

展览前言：秀穂的吟歌——写给周刚的水彩绘画

周刚寄来他近年的水彩新作选集，异彩纷呈，令人目不暇接。他的静物总是万紫千红，亮丽无限。笔触飘逸无定，涂抹晕染，最是一派生机。他的风景色块葳蕤，浓荫蔽天，地平线上交叠着魅影，伸展到远方。他的人物，格外沉郁，或若金刚怒目，或若须髯尽张，总有矿晶般的不意光亮，从黝黑的深处探来，令人向往。周刚的水彩，特征很强，色彩沉郁，造型强烈，纵横撇捺，仿佛从空中掇积了多重镜片，交映和聚集在一起。他的画，给观赏留下的最深刻印象，在于形。暗中蕴亮，明里衬黑，以重色构线，似有多重镜框，进进出出，此起彼应。方形、圆形、齿形、矩形，在水晕的各种相破之功中，往还能生发出不尽生机。

形体是什么？我们对形体做出的所有解释，所有对形体的认识，都源自形体在观者观看经验中的显现。通过观看，我们经历了种种体验。《文心雕龙》有言：“目即往还，心亦吐纳。”我们的眼睛向着事物来来回回地看，我们的内心也随之往复徘徊，像呼吸一般地吐纳。“情往似赠，兴来如答。”当我们从肉身向外观看时，我们的感情如赠品一般涌动，那形体也若赠品一样被送到我们面前来。当我们在观看的往还之中，心亦从那里吐纳返回，某种起兴仿佛这种观看的应答，我们从对象那里返身自望，相应而答。在那一瞬间，我们仿佛脱离了对象，脱离了那个外在的形体，而感到了某种被关注的体验。我们的观看正转化为某种自发生长的“意”。周刚的绘画正是带着这种强烈的观看的意象，仿佛透过一个强大的棱镜，只此一瞬，让我们既看到对象的“外形”，又看到某种如答的、正被关注着的“内蕴”。周刚把握着的正是这种正在形成、正被关注着的意形。这种意形将外物之形切成互相锲合的形体，拼掇在一起，供色彩和画笔自由涂抹挥洒，最终达到通体积亮的效果。胡塞尔的现象学努力区分作为外物的形体和作为主体的形体，并将之视作整个“知觉现象学”的根基。我们当然不能说周刚的绘画是这种哲思的诠释，但他的画反反复复地在其间往还，并以他的情赠兴答的应答方式，来承载这种扑朔迷离的感觉，这种形体的意向性的显现，让我们明显感受得到这种形体意象生成中的自由与力量。

周刚的绘画，浓笔绚彩，扑面而来。这种浓笔绚彩的构成，并非一个色彩的容器，而是一个笔与色受着意向的驱策而互为结构的境域。这里的笔有点夸张，这里的色有点绚烂，却又因着这种夸张与绚烂而凝成一个神气充沛的整体。笔和笔之间，色与色之间，变化无定，辟阖多方，却又保存着一种楔状拼合的间距，保存着多种图形的动机，而又带着某种深度的暗示，似乎想将万物拼缀在一起。这个境域不是对象物形的简单拼合，也不是孤立于世界之外的臆想，而是依着手笔的意志，依着外物之形与主体之形之间的往返穿梭意向，而訇然开启的世界。譬如一束花，他画的不是花开艳丽，而是斯花将开未开、将落未落的某种情态，而是斯花与周遭形色既对抗又依存的情态。依着这种情态，他的笔下难有完形的花形，却又让人满目美穗、夭夭灿然。又譬如他的园，树影交错，廊墙浮动，让人揣想日影婆娑，岁月沧桑。又诚如他的矿工，孤灯闪闪，鼻额浓黑，却在最精神处看到鹰隼般的眸光、矿晶般的神采。这种依赖结构的作用、境的作用及由此而呈现出来的生动表达，伴随着诸多夸张，诸多变化，闪闪烁烁，灼灼其华。

2022年秋，在《富春江山》的展览上，周刚以大幅水彩《富春花正红》参展。那是一个花房的春天写照。花叠着花，穗重着穗，在花叶密丛的后边，窗外，春江无声地流淌。在这里，春江只是一瞥，满屋的春色却是无尽。这春色集中在丰苇与厚穗的花叶的形态之中。这里始终缠绵着的是秀穗的丰饶。那种植物茎秆顶端聚集着的花或籽实的束体，以各种富有装饰性的形状肆意开放。在中国古老的文化中，“麦穗两歧”象征着好年景和好收成。在周刚这里，这种秀穗的表现，则是他如花意向性的核心，既代表着阳光的恩惠，又充满着一种塑者的陶醉。这几乎是一种农耕的古老的钟爱，此时却化变成大笔劲笔、横抹竖勒的歌吟，化变成自有的、强烈的赞美。这种赞美穗的表现，既是如花的境域的结果，又是他的笔下意向性的风华。此刻，美穗在春江花房中迎风摇曳，肆意怒放。

司空图《二十四诗品·劲健》诗云：行神如空，行气如虹。巫峡千寻，走云连风。周刚近年来的大尺幅水彩正有如虹之气、当空之神，最具劲健的神采。那形物，无论花树，抑或人物，一例当空而降。排笔横抹，劲线勾勒，形物旋即生发。杜甫诗曰：“巫山巫峡气萧森。”富春江从桐庐到梅城，风烟俱净，天山一色，从流激荡，任意东西，正自有连风走云之势。周刚的秀穗之赞，亦能走云连风于其间。劲健正是穗之秀美的形象之神，也是他的绘画意向生动的内蕴品格。

《诗经·王风·黍离》有言：“彼黍离离，彼稷之穗。行迈靡靡,中心如醉。”望着曾经的故地旧墟已然荒凉，黍稷竟抽出穗来，心中如醉如噎。这是草木寄心的千古吟咏。周刚的境域的意向，他的秀穗的吟歌，也让我们濡染了某种如是洒然的浪漫和醉心，并由此领受山行川止、风禾尽起的脉脉诗意。

中国文学艺术界联合会副主席　许江

艺术讲座

主持人：

今天到场的很多学生都是来自美术专业的本科生和研究生，我们非常有幸能够来到宁波美术馆，聆听周刚老师的讲座。在讲座开始前，周刚教授亲自为同学们做了展览导览，相信大家也感受到了作品所带来的震撼。在这里，我们隆重介绍一下周刚教授。他是中国美术学院博士生导师，也是中国水彩画研究中心主任。无论是社会影响力，还是在专业造诣，都是有目共睹的。我们非常荣幸能通过这一次的现场教学，近距离感受周刚教授对我们艺术的熏陶与教育。我在食堂吃饭时，坐在我旁边的同学说起自己是很幸运的，能够在本科阶段就接触到如此有名的艺术家，来给他们上课和分析作品，谈论生活与创作之间的关系，是非常难得的。而我以前上学时，是没有这么良好的条件，所以希望同学们能珍惜难得的学习机会，专心地听取周老师的分享。接下来，让我们把时间交给周老师，请大家用热烈的掌声欢迎周老师。

周刚：

首先，我们来简单回顾一下讲座前看展的过程。展览第一部分展出的是故乡，家乡的人——陕西北部的矿工。我在画中所描绘的那个年代出生，13岁后搬到西安，接着又搬到杭州，生活了将近40年。第二部分展出主题主要围绕风景和静物。我把展览分为三大展区，分别为“岁月如金”“花开的声音”“阳光停在正午”。此次展览的名字叫作“惟望远山”，这是取自庄子《逍遥游》“知不足而前进，望远山而力行”，这个名字提醒我永远不要忘记谦虚，以及更进一步的野心。希望我们每一个人心中都有“远山”。

展览开幕时，记者采访了很多的老师和学生，让他们谈谈自己心中远山在何处。每个人心里都有一座“远山”，我心中的远山就是我永远追也追不到的艺术之境。

最近我在读两本黑塞的书，感触很深。其中一本叫《悉达多》，书中主要讲述了两个人物：一位是历经劫难、不断突破的个体，另一位则是德高望重、功德圆满的智者。悉达多的成长并非一帆风顺的，而是在不断怀疑、不断探索、不断自我超越中逐步实现的。他从一名婆罗门学徒开始，经历过禁欲苦行和世俗享乐，甚至沉溺于醉生梦死和纸醉金迷，最终在大河边领悟到了生命的真谛。他试图通过宗教修行获得解脱，却发现真正的智慧无法依靠教义传授，需要每个人自己去亲身经历。于是他投身尘世，体验富足与爱情，经过了“看山是山”“看山不是山”“看山还是山”的思想转变和境界提升，最终意识到：“世俗并非是阻碍成长的障碍，而是认识自我的阶梯。”阅读他的书，让我领悟到这样一个道理：“任何问题，你站在别人的角度看都是对的。”

基于上述感悟，我们来展开谈谈生活和创作的关系。每个人对生活有不同的理解，也都怀揣着很大的愿望。我们画画是为了什么? 是希望画完的作品进入殿堂。进入殿堂的目的是什么? 是让你的作品得到大家的认可。例如今天你们在展览里看到的刚进门悬挂的作品，它被挂在展厅的正中央，那是大多数画家很期望的。我一看，心想这张画肯定是拿不回来了，后来果然就被收藏了。

每个人都有很重要的三种生活状态，第一个是“生活家园”。守住家园，你需要在家园里干得很好。比如说，作为中国美术学院的老师、宁波大学的老师、宁波大学的学生或美术馆的员工，大家都要在相应位置上干好，努力成为各个群体里最优秀的成员才行。第二个是“江湖”或“社会”。你在社会上、行当里，要做得很好，你要写，你要画，你要做得很优秀。第三个是“殿堂”。在殿堂里要干得很好。这三个方面要做得好，需要我们脚踏实地地开始。

开幕式那天我就讲过，一个人或一个艺术家，一半是自己，要脚踏实地；另一半是梦想，要遥望远山。所以，今天的我们既要有遥望远山的理想和期望，又要有脚踏实地的决心和意志。

接下来，我们来谈一谈生活是什么。生活是人在生命的旅途中劳作与分享的过程。比如，画家和摄影师如果就同一处风景进行创作，产生的结果是不一样的。因为他们看待事物的角度和个人生活经历有所不同。生活与艺术创作息息相关。艺术是什么？艺术，就绘画而言，我们不谈别的，不谈建筑、舞蹈、诗歌，我们只谈绘画本身，是艺术家创造的隐含着美学特征的作品。

同时，人是万物的尺度，只有你参与其中，才能知道物体背景的大小与尺度。例如，一块小小的石头，当没有参照物时，拍了一张照片，别人看到这张照片会误认为这是一块很大的石头。生活也是如此。你没有用心去体验，你虽然走了一遍，却始终只是个过客。同样的道理，对在座的同学是一样的，只有我们用心体验了生活，并且带着问题走进生活，这才叫真生活。那么，我们给艺术下个定义：艺术就是带着问题走进生活。艺术，就绘画艺术而言，是艺术家创造的隐含着美学特征的作品。并不是说艺术家随便画两笔就能被称为是蕴含美学特征的作品，每一笔都要富有“灵魂”。

柳泽纪子在《某处景色Ⅱ》中的点线面是隐含了美学特征的。例如，她在作品中把男人的背与山、田野结合在一起。如果你看懂了这幅作品，会觉得画面结构非常精彩；如果看不懂，就会觉得这就是一张风景画。许多同学都会问我：“画画从哪里开始？”我的回答是“从你看懂了开始”。我在创作《庭院深几许》时，一连盯着这幅画好几天，总觉得哪里少了一笔，有了这一笔便能给这幅画注入“灵魂”。最终，我找到了这一笔，画了上去，这幅画就有了生命。所谓成就一张好画，就是需要花时间、花心思在里面 “熬”。

接下来谈谈艺术知觉。艺术知觉是对艺术品表现性的知觉，这种表现性存在于每一件成功的艺术品中，即有意味的形式的艺术品之中。有一段时间我热衷于研究“禅”是什么，花大量的时间查阅书籍，积累资料，尝试了解“禅”的意义，但就是理解不了。直到后来，我偶然在一本讲述“禅”意的书籍中看到《寻牛图》，看完此图后我才豁然开悟。南宋廓庵禅师用十张清新简洁的画面，描述了一个小童子从找牛、得牛到最后“人牛俱忘”的过程。在第八张图里只画了一个圆圈。而第十张图，小童子和牛都没了，出现的是一个背着行囊、袒露上身的老僧，看样子即是著名的布袋和尚——弥勒佛。由此可见，此画的主题根本就不是牛，而是禅意和佛法。这就是艺术家对于艺术知觉的体悟过程。

艺术家对艺术的知觉，有些可以用言语表达或用肢体形式呈现的；有些东西却是用言语、动作所无法表达的。这种知觉表现于每一件成功的作品——既是有意义的形式的作品之中。

艺术知觉的另外一种解释：艺术本质的真实性与事实性无关。如何理解呢？比如，我们画一只牛，画完了，牛还是牛，画也还是画。你不能说你画的这头牛栩栩如生，因此牛消失了，变成了这张画。艺术本质与真实性无关，这种本质的真实性，我们称之为艺术之真。何谓艺术之“真”？不是说画得像才是真，而是你抓住了描绘对象的生命的意味，而不是仅仅描述其轮廓逼真。艺术品需要艺术家投入真情实感进行创作，那种知觉才会被别人意识到。

之前有人委托我画一张有关深圳的明信片，由于行程紧张，我一直没时间画。后面他们打电话告诉我，只剩我没完成任务，并发来一张照片能让我参考。于是我通过搜集自己脑海中对深圳的印象，并借助对照片的理解，创作出了一张作品。这种知觉是通过像生命体一样的形式来传达的，它是运用艺术形式将情感生活客观化的结果。

今天要讲的核心是艺术创作。创作是指一个艺术家以一定的世界观，运用自己的艺术经验，通过一定的艺术媒介和艺术语言，把特定的艺术内容、艺术形式转化为艺术形象、艺术作品和艺术文本的创造性活动。简单来说，人很早就形成了自我的世界观，他用个人的眼光来看待世界，并且他的世界观是不以别人的意志力为转移的，是独一无二的，所以每个人的世界观是不同的。

谈到艺术创作，不得不谈及艺术家。作为艺术创作的主体，他们具有较高的审美能力和娴熟的创造技巧，并从事艺术创作劳动。倘若同学们未来的目标是想要成为一位艺术家，就需要从此刻下定决心，不能在绘画上“绕弯子”，不能想着画不好人物转而画风景和静物，以为绕过不擅长的领域就会相安无事。相反，你失去了一种体验。当你学会直面不擅长的领域之后，生活中任何独特的体验都能融入创作之中，并为作品带去“灵魂”，因此艺术家是很孤独的。

法国艺术家博纳尔，光是看他创造出的作品是无法感知他的思想，这也是为何我们觉得他的作品有些怪异。至于艺术家杜尚的《泉》，他将小便池搬上艺术馆的大雅之堂，同时搬上去的还有一个全新的理论宣言。他重新解构了“美是艺术必要条件”的传统，艺术可以常态化，引发观众的重新思考。包括黄宾虹画西湖，也与常人的眼光不同。艺术家们从独特的审美感受出发，呈现的画面截然不同。

分享我的一些经历，希望借此激发大家的创作灵感。每年大年初三我大多会去外地写生，曾去过云南九次，陕北也待过七年，艺术创作的过程需要慢慢去体会。我们所学习的艺术一直都是“西化”的，虽然我们从西方出发，一直追寻艺术，但最终还是要回到东方，其本质还是要回归于内求，即自己的内心。

有一次我和朋友去西部旅行，在当地的小吃店询问老板附近有什么好玩的地方，老板指了前面三公里处的一座庙。等到了之后才发现，那是一座很小很小的寺庙，里面什么也没有，当时我们有种上当受骗的感觉。可正当我们快要离开时，朋友留意到寺庙的门上“山外有山”几个字，我们豁然开朗。

艺术创作是复杂的过程，你需要积累大量的内容。第一，生活积累。艺术家在社会生活实践中萌生出艺术创作的愿望，而这一愿望在艺术家心中凝结成一股强大的动力，这种心理动力与创作的内部动机正源于生活。就像我所分享生活经历一样。不是让我们跑上来看寺庙本身，而是要体会和感悟“山外有山”。第二，创作构思要绞尽脑汁。所谓构思是指艺术家在孕育和创作作品的过程中所进行的思维活动，这种思维活动是在艺术家想象中形成的；贯穿着一定思想的，关于作品的内容和形式的总观念。你需要有成为艺术家的愿望，要有创作作品的愿望。我好几次过年的时候回到家乡，我的父母亲劝说我既然如此劳累，干脆放弃我的行业。但我不愿放弃，这种“愿望”像是一个小小的火苗燃烧着我，支撑着我追逐自己的艺术愿望。第三，艺术表达要有娴熟的技巧。你所创作出的作品是个人的审美表达的体现，你的作品投射的是你灵魂的形状。

艺术创作分为七种类型，分别是情感性、叙事性、主题性、观念性、情境性、技术性以及写生性。

一、情感式创作，是指艺术家在孕育和创作作品的过程中所进行的思维活动。这种思维活动是在艺术家想象中形成的、贯穿着一定思想的关于作品的内容和形式的总观念——艺术家通过笔触来抒发内心的情感表达。我有一张在座各位很少有见过的作品《早班的矿工》，我通过笔触和色彩刻画出矿工的印象，后来这幅作品被中国美术馆收藏了。

二、叙事性创作，是指艺术家在创作过程中以“故事”的方式，按时间顺序排列“情节”，侧重事件在作品中出现的叙事性。例如尤劲东的《人到中年》，画面中有两位穿着白大褂的医生，而她们周围围着不少病人，在东张西望。通过画面中呈现的内容，我们仿佛可以进入到故事的情境之中。

三、主题性创作，是指艺术家围绕着特定的主题，展开的创作活动。2016年我创作了一幅作品，一时想不到题目，有位中学老师帮我起了个题目，我觉得是到目前为止我的作品中最好的题目——《倔强的黄土地》。他想标题时根本没有谈画面中的人物，而是把重点放在了整个大环境中。

四、观念性创作，是指艺术家在创作过程中摒弃艺术实体的创作，采用直接传达观念的方法。它强调了艺术作品背后作者的哲学思考和意识观念。朱德群老师的《怀乡》，画面色彩丰富，充满了想象力，并传达出“家乡就是人”的思想观念。这件作品曾在中国美术馆展出。

五、情景性创作，是指艺术家在创作过程中尽可能地根据已知资料和条件，充分发挥创造性思维，充分调动想象力，把事物在一定阶段的发展情景生动鲜明地描绘出来。那么，具体如何实施？我拍了一张照片，这张照片呈现的是我们在学校里准备画的一组民国时期的艺术家的形象，他们聚在一块谈论艺术。我们找了几个模特，让他们穿上了民国时期的衣服。道具服装一切都就绪了，但这些找来的模特没有民国时期艺术家的精神气质，学校教室里的背景也无法很好地还原历史环境。如何将当时的背景表现于在画面中呢？那这需要你将脑海中存在的已知条件加入到你的作品中。我们的同学在创作的背景中加入了屏风、笔筒、书本等物件，让这张作品成功“穿越”到了民国时期。《陕北郭家沟的集市》是2018年我们去陕北采风时画的一幅作品。在这幅作品中有一位围着红围巾的阿姨，她是给我们做饭的，她前面是两位坐在几个装满衣服的麻袋上的农民，于是我根据这个场景开始创作。为了烘托主题，我在画面的背景处画了两头骡子。另一张画《郭家沟的养牛人》，我也是通过构思想象，在背景中加入了两头牛。

六、技术性创作，是指艺术家在艺术创作中主要依赖技术表现来完成作品的创作方法。吉姆·彼得有两幅经典作品，他通过绘画技术展现出充足的写实感和现代感。马里奥·西罗尼的作品也颇具代表性，画家大胆地把人物的脸部涂黑，打破常规思维，作品显得意味深长。

七、写生性创作，是指画家直接面对对象，进行带有创作性写生的方法。谈谈我的故事，分享写生性创作如何构图的问题。我曾接到过一个任务，需要我们画一张以内蒙古为背景题材的作品，构图要求竖构图，为了满足后续到中国美术馆展出的条件。当时预留的时间非常紧张，我先到内蒙古写生，后面又到土耳其的国家美术馆参观，当看到馆里一个浮雕时，我突然灵光乍现，找到了构图上的灵感。这个浮雕竖直又狭窄，空间内有五个人物和两个马头，远近错落有致地穿插，完美地呈现了既束缚又拥挤的感觉。于是我在纸上快速画出了《套马的汉子斯日古楞》的草图，旁边用颜色标注出我最初的创作灵感。我平时作画，草图并不喜欢上颜色，而是习惯在旁边写标注，因为一旦上了颜色，画面就定格了，也随之失去了一边创作一边思考的价值。起初，我绞尽脑汁在想这幅作品的名字，一开始叫《套马的汉子》，但与一首歌重名了，觉得不妥。之后，一位内蒙古同学建议我用她的男朋友的名字命名。于是《套马的汉子斯日古楞》的名字诞生了，这是没有生活在这个地区取不出来的名字。她还问我：“这张画中为什么没有画草原？”我回答：“在作品中最前面的男人，他的绿色衣服代表的便是草原。”

再谈一谈展厅中陈列的《新来的矿工》的创作过程。我画了一组新来的矿工，画面中有位矿工，刚来工地时甚至忘记穿工作的衣服，于是我把他画成背对大家。在后面的创作过程中我觉得不妥，即使已画到一半了，我还是强行调整了构图。大家可以通过我呈现的照片来看我在工作室创作的过程。一开始摆在地上涂第一遍颜色，之后竖起来一点点深入进去，最后完成作品。这幅作品的颜色上得很薄，虽然我没有很仔细去刻画每一个矿工的脸部表情，但我捕捉了每一个人的姿态。而且画面中有很多铅笔印，矿工白色的衣服上也做了留白处理，没有使用任何的颜色。

我们把创作过程分为这七个方面，我着重地讲了情景性创作和写生性创作，大家要把日常能收集到的素材、储存在大脑中的想法加以运用和转化，才能创作出一张好的作品。

交流互动环节

观众：

周老师，您好！特别感谢您做了非常详细的解析与案例分享。现在我想提一个关于绘画创作结构时问题。刚才您一直都在讲创作的结构，我虽是一名老师，但对结构的理解并不深入，我希望周老师再具体讲解一下如何营造作品画面中的结构。谢谢。

周刚：

首先，这个问题提得很专业。艺术家塞尚在作画的过程中，慢慢地找到一些结构关系。每次讲课的时候，我都会提到结构问题。我会让每一个人寻找一个他们感兴趣的艺术家，对其进行彻底的分析，例如艺术背景、教育背景、成长过程以及画作的成因，最终完成一篇2000字左右配图的深度研究报告。我也尝试过和他们直接讲结构，但他们不理解。于是我调整方向，谈绘画的隐性结构和显性结构。例如大部分画作的作品属于显性结构，我们是看不见作品的隐性结构的。那隐性结构是什么？它是埋藏在画面中，我们一般不会留意的位置关系。比如我们以为画面中人物举着的是一把刀，但仔细看却是一道阴影。所谓的构图，是把内容摆在画面里，但需要相互穿插，相互联系，让画面形成关系网，即使画再多的内容，也不会显得杂乱。

老师:

特别感谢周教授，每次我听完您的讲座，都会有不一样收获。这一次您带来的作品，让我感受到是一种节奏关系，如画面的形态、色彩的节奏等。请问周教授，如何在画面中渲染节奏感？

周刚：

今天来的老师们非常厉害，提问都很犀利准确。我有一张作品，题目叫《红色矿工》，画面中的树枝本身应该有很多片树叶，但我只画了三片叶子，就是为了营造画面中的节奏，而这就需要画家的认知了。

这次展览也是我的一个告别展。往下的创作，我会调整我的绘画方式，在以后的作品中有些地方我会交代得很清楚，有些地方适当模糊处理。在绘画过程中，大部分同学经常画很多笔来呈现自己内心的感知，但也有些同学仅仅几笔即可。想要这样富有节奏感及轻松感的创作方式贯穿于画面之中，关键在于我们处理好画面的结构，既要把握好位置关系，又不能让画面变得松散，让内容之间相互整合于一体。

学生:

周老师，您好！听完您的讲座之后，我有一些独特的感受。能创作出一幅好的作品是与生活息息相关的，需要我们认真地体悟生活，才能把自己的感悟和经验表达于画作之中。我很好奇，您在进行创作的时候，是如何把眼前的情景和生活中的感悟结合在一起，并体现在作品里？

周刚：

我们做一件事情都要拿出精力脚踏实地去做，画矿工也好，陕北人也好，需要把他们的精气神表达出来。这就要求能和他们打成一片，听懂他们在说什么，说的话有什么内涵，用你的心性体会到他的心性，这样才有可能找到这些东西。今年从陕北回来后，我写了一篇小文章，打动了很多人。我每年都会去陕北，因为我的父母在那里，那是我的家。不过今年我再去陕北，父母虽还在那里，但却已经在泥土中，它的意义便不一样了。你会突然发现，过去你画的人只是一个形象，而今天画的每一个父老乡亲在笑的时候的那些表情，都有种仿佛看到你父母的感觉。

作为一个画家，首先是一个生活者，你得真正的生活于你要表达的那群人之间，不能浮于表面，才有可能体悟。只要你跟着我连续跑几年陕北，就能感同身受。比如说，矿区的矿工经过，仅仅通过嗅觉你便能了解他来哪里。

学生:

周老师，您好！我的问题是关于您提到艺术创作的过程中需要大量的生活积累和创作构思。我比较疑惑的是艺术表达方面的问题，每个人的想法是不一样的，毕竟千人千面，文字表达是很抽象的，要如何才能让这些抽象的东西变得更具体化呢？

周刚：

曾经我带了一个速写能力很好的同学去参加室内设计业务的招投标工作，一开始汇报时，老板对方案不满意，于是我们根据老板的内容边说边画，然后不断确认他想要的方案，这就是一个物化的过程。

想要把脑海中的景象图像化，需要有以下几个方面的能力：第一，我内心的想法。第二，良好的造型能力，能将其塑造出来。第三，良好的审美能力。至少有这么三个阶段，才能把物化过程变得简单。很多时候是因为我们高谈阔论过多，面对生活太少太远。虽然你也在生活，但你离想要表达的对象太远。我曾经帮朋友管过一段时间他的女儿，我让她在我办公室旁边的教室里画画，她坐都坐不住，一开门我就知道她想出门。父女俩也因为对画面的理解不同，观念不同，两个人时常因为这些事情吵起来。

你们还有一个问题也是只听老师说，实践得太少，导致只知道老师说的该如何转化，但一到真正动笔，便无法下笔。所以，真正要把眼前的景象、内心的想法表达出来，还是得实战，久而久之，你会在实战中找到自己想要表达的内容，进而迅速转变。感谢你的提问！

主持人：

感谢周教授带来如此生动的课程，我们也要利用好时间多留意周老师作品中表达的多种技法和技巧，深入学习，反复思考。今天讲座内容，我用四个词来概括一下：一，用心；二，真干，我们要真正地把生活和专业结合，从而创作出更好的作品。我也希望同学们能从专业艺术家的创作实例分享中，得到真正的启发，学以致用。让我们再次用热烈的掌声感谢周老师!

以上部分文字根据录音整理，未经本人审阅。

编辑、整理：王雪、毛钰莹