学术研讨
新时期•宁波中国画未来走向
时间：2009年3月27日
14：00－17：00
地点：宁波美术馆
主持：陈承豹（宁波美术家协会副主席）
主持人：
尊敬的各位老师，各位美术同仁。为了进一步提升宁波中国画的创作水平，强化、树立宁波中国画的良好形象，我们经过将近一年时间的精心筹备，终于于今天上午举办了宁波市首届中国画提名展。上午展览现场的气氛活跃、热烈，我们还有幸请来了省里的童中焘老师、沙池鸿老师、吴静初老师，还有王平老师(他因为工作关系，来去匆匆，已经回杭州去了）。现在我们大家又为“新时期•宁波中国画未来走向研讨会”齐聚一堂。当然这次研讨会，从实质上只能称为座谈会，因为时间实在太短，议题无法充分展开，且有些同志因为工作原因还要提前离场。尽管时间比较短，幸而来自杭州的三位老师会给宁波中国画的未来出谋划策，以及在座的诸位共同讨论，大家群策群力，我想应该会为宁波中国画的发展指明方向。
“新时期•宁波中国画未来走向”是一个较笼统、较大的命题，但是对于这个命题，我们是驾轻就熟的，可以从中国画民族性方面、时代性方面、地域性方面、创新性方面等等，不同侧面地去谈，仁者见仁、智者见智；也可以简单的回顾总结，特别是改革开放30年来，我们宁波中国画的创作路子，比如说80年代我们宁波中国画是个怎么样的风格？90年代宁波中国画又是怎么样一个风格？新世纪以后又是怎么样一个风格？上午参加我们这个展览的16人（当然这不能代表我们全部人），至少可以代表我们宁波美术界中国画的一部分，作品已经亮相了。根据现在的状况，大家可以大胆提出我们以后宁波中国画的未来走向怎样，为宁波中国画的未来发展提出建设性的意见，为我们的艺术创作水平的进一步提高指明方向。
展览大家已经欣赏了，可以简单总结下我们以前是怎么走过来的？哪种表现手法？画风？风格？流派？……等等，少而精。老师们讲，其他同志讲，尽量控制在10分钟以内。
首先，请我们请三位老师来点评一下。
吴静初（浙江省中国花鸟画家协会副主席）：
宁波我来得不多，但是却有不少这里的老朋友。很多画家都是我多年挚友，比如何老师，陈老师等等，其实他们都画得非常棒的。这次来，是我第一次看到这么大的作品，画这么大的画，我十分钦佩。由于上午时间比较紧，我主要是看了一些花鸟画，山水画也看了一些，没有看全，也不敢妄自品评。我也是学习花鸟画的，所以我从花鸟画上开始说说我的感想。上午有很多书画界的朋友，同我一起交流探讨一些问题。有一些人也提出工笔画和写意画如何区分的这一议题。我认为这个议题很好，我简单谈下我自己的见解：工笔画和意笔画不是对立的，无非就是形式上不同而已。其实中国画都是讲写意的。不过从形式上讲，意笔画感觉好像笔头更大一点，书写性更强。但是有一点，是我们需要强调的：写意画不是粗笔画，写意画更强调用笔，在笔墨上，更强调对于物象的把握，如自然的花花草草，通过自己的感受，写出这些事物的精神面貌，把自己的意思表达在笔墨上面。我经常和朋友说：写意不是粗笔、不等于粗鲁，写意画到了一定的境界就像天马行空，很自由；而很粗鲁的画法，犹如娼妇骂街，同样都是没有拘束，但是本质是不同的。一个是粗鲁的，一个是很自由的，笔情放纵的。
还有一点上午我们也谈到了——创新。我对组成这个词的两个字一直就觉得不妥。因为“新”不是“创”出来的，而是水到渠成的东西了。苏东坡也谈到过水到渠成的问题，他认为，画画是水到渠成的事情，你不需要去预先开凿，是自然而然的，通过自己的修养、境界的提高，笔墨不变自变。也有人同我讲我们可以在“中西结合”上下功夫。我认为：中西结合是结合不好的。因为中西文化的差异太大，你没法结合。我曾经在我的一篇文章中指出：中西结合就像跑在两条轨道上的火车，西方跑西方的道，我们走我们的道，两条轨道同时在跑，如果接轨的话，就出大祸了。也就是说，“中西结合”，我们还是把西方的某些方面，如造型能力，色彩我们可以适当汲取，但是画是完全不同的。就像西方的静物，它是讲事物的体感、形感，我们中国画其实是讲视感。视感是动的东西，而形感、体感是静的东西，这是两回事情。我们现在需要做得就是把我们传统的优秀成果吸取过来，中国画的失去笔墨就像音乐上的失去节奏，如果节奏一乱，那不是不成曲调了吗？我就讲到这里。谢谢大家！
沙池鸿（浙江画院副院长）：
我今天来到宁波，参加谈论我们宁波中国画新时期未来走向的研讨会，我感到十分荣幸。我想讲一点：画家有的时候还是不要过多地考虑太多理论问题。关于画家考不考虑理论的问题其实也是一个辩证的思想。刚刚主持人给我们提了这么一些问题，关于宁波中国画的未来，关于创新性，时代性等等。其实画家要真是这么去想，那画家就累死了，这画也不会画好的。就像孔令辉打乒乓球一样，如果一边打球一边想着为祖国争光，那这球能打好吗？孔令辉那时想得应该是这球怎么打好，是削还是切，怎样才能把对手打败？打完了以后，就应该想为国争光了。作为画家就应该处于这种状态，纯粹把画画好，纯粹把球打好。
我这里有两个问题！第一，中国画必须强调笔性。对于讲笔墨，我常常是把墨和水放在后面去讲，而笔是第一位的。中国画的笔性是所有画中国画的人必须理解清楚的。笔性——“六法”里的“骨法用笔”是真正中国画用到了，其余五个西洋画也能用。但是笔性是中国画独有的。例如：写“永”字，西方人随便拿毛笔，他按照这个结构也能写好，但是要这一点，一捺……一笔一笔的到位，你不练过一年半年，你是做不到的。所以这个“笔”怎么用是中国画的根本。从中国画的技术上来讲，绝对是中国画的根本。
第二个，我也想谈谈创新问题。老想创新会使人的脑子出现混乱。要新，那么肯定要和原来的不一样。其实现在很多的画家已经走上歧途了，他拼命想和别人不一样，但是他的不一样是临空的，是生造出来的。我们可以看到现在很多山水画上的所谓创新，就是用黄宾虹画画的局部，把画面铺得满满的，这就是创新了？其实他就是把人家的方法扩大化、或者缩小化，他自己内心没有感觉，没有表达世界的渴望，没有这种精神。这种创新，路走不长的。甚至我不客气地说，你现在这么画了，那你十年后还准备这样画吗？刚刚吴老师讲：“创新是自然的”，这个自然的意思是说你的内心真正有东西要去表达，你的内心真正对世界有某种看法，这个时候你需要一种手段准确地表达出来，可能你的手段还达不到，但是一段时间后，你的手段达到了，你的手段一定是有你个性的，而且是由你所处的这个时间、这个地域和你的个性决定的。你的风格也肯定与其他人不一样。这个就叫“新”，“自然而然”。
我最近刚从川西体验生活回来，我仔细看大渡河、澜沧江的水，我去体会陆俨少的水是怎么样去表现的。陆俨少画的长江水，它是白的底，画线条、画水纹，旁边的坡他是用赭石，一块、一块、一块……土坡的颜色是深的，水是亮的。他的作品都是这么画的。但是实际上，水是很深的，很绿的，然后有波浪的地方有一点泛白，而土坡由于是沙石地，往往是亮的，也就是说陆俨少在画这个水的时候，他把它的色彩关系颠倒过来了。这就是他的高明之处，他是经过变化，表达了他心中看到的那条河，所以陆俨少的水云纹出现了。这个是自然的。不是说我看到了，这个应该这样画，不应该那样画，这样是画不好的。这个水云纹是他长期观察四川的水，慢慢磨练出的。还有陆俨少在井冈山上画毛竹林。很少有人画这个题材，童老师好像在文革的时候画过，李可染也有一些画毛竹林的，但和陆俨少画的毛竹林是不一样的，像弹簧一样。在画面中其它的部分都很舒服，唯独这个画得不舒服。我在这讲下陆俨少的思路：他这个变化不是自己空想出来的，他是“外师造化”——根据对象，来找一种方法，但是成功与不成功那肯定是有区别的，有些成功，有些不成功，但是创作的过程必须是这样一个过程。
我现在要提的一个问题是我目前所见的宁波中国画中“外师造化”的东西比较少，即画家如何对待“生活问题”。我的发言引到“生活”这个点上了。真正的大师作品，历史上所有保留下来作品，都是大师们在外师造化过程上中形成一种他独有风格。我对童老师特别崇敬，你们去看他的画，他往往都是有个具体的东西。我刚刚担任了 “美术节的人文之家”活动主持人，有幸看到了童老师那幅《天目雪霁》。这幅作品其实从笔墨上看是很抽象的，但是你仔细感觉，你会发现一种难言的宁静。因为我在天目山脚下插队过，冬天我们去看天目山顶始终是积雪。我们去看童老师的作品，局部去看其实是很抽象的，但是总体的感觉与天目山被那么多雪松覆盖、积雪的感觉如出一辙。而且顶上有一笔黑的，有一笔重的，他不画蓝天，但是这一笔重的，却将画面整体的水墨彰显出来。童老师还画过很多大屋顶，房子的大屋顶、庭院的大屋顶，很大的屋顶，这也是很少有人画的。除了宋徽宗赵佶画的那个屋顶，当然啦赵佶画的那个还只是一个小的屋顶。童老师那个是遍布画面一个金色的屋顶，但是笔墨关系很到位，他敢画。花鸟画其实也一样，我比较推崇宁海的朱开益老师。他甘蔗也画、长缸豆也画、田头田脚的、房前屋后的东西、……，他都画。因为你老是梅兰竹菊，古人的东西太现成了，而且古人的东西画得太好了，风太高了。你要改变、你要创新，你必须把转移你的视线。尤其对地县的同志来讲，生活才是艺术创作的真正源泉。包括我们也是这样，你要创新必须走这条路。甚至，你这个花鸟画家，也许当你融入于生活之中，你也可以画出人物画了，也可以画出山水画来。
还有一个问题就是我 
